Lunes, 29 de abril de 2019
Del sábado 27 de abril al sábado 15 de junio de 2019, Usimages, la Bienal de Fotografía Industrial, se celebra en los municipios de la conurbación de Creil Sud Oise, en Francia. Para esta 3ª edición, se organizan 12 exposiciones en los municipios de Cramoisy, Creil, Montataire, Nogent-sur-Oise, Rousseloy, Saint-Leu-d'Esserent, Saint-Maximin y Villers-Saint-Paul.
Esta 3ª edición de la Bienal de Usimages se centra en explorar la relación entre la fotografía y la producción industrial. Pero además, plantea también la cuestión de si podemos o no ser testigos de las realidades del mundo del trabajo. Pretende así ser un espacio de investigación que cuestiona las exposiciones históricas y contemporáneas sobre la relación entre los artistas y los encargos industriales. En un mundo que acelera la producción y transmisión de imágenes, es sorprendente constatar esta dificultad para ejercer la libertad de visión en las empresas. Aunque las cuestiones de seguridad o el secreto de los procesos impiden a menudo la toma de fotografías, la empresa parece no querer conservar ni la memoria de las personas ni la de las imágenes. Como si esta amnesia organizada facilitara la gestión del desmantelamiento y la desaparición en caso de crisis.
El programa se estructura en torno a exposiciones de fotógrafos internacionales contemporáneos que nos sumergen cada uno a su manera en el mundo más o menos humanizado de las empresas. Es el caso de las imágenes de Michele Borzoni de centros de atención telefónica o centros logísticos, que nos empujan a imaginar lo que la imagen no representa: el consumo justo a tiempo. Esta misma sensación se puede encontrar en el trabajo de Edgar Martins en la planta de BMW en Munich. Aquí los espacios de producción son clínicos, desinfectados, robotizados y la humanidad reducida a maniquíes utilizados para pruebas de choque. Entre 1956 y 1966, Jean-Pierre Sudre trabajó para grandes empresas produciendo álbumes fotográficos. Presentado por primera vez en una gran exposición, descubriremos a un fotógrafo curioso y atento tanto a las formas industriales como a los trabajadores. André Kertész también realizó albumes comerciales en 1944 para diferentes corporaciones, componiendo imágenes precisas y
prestando especial atención a sus modelos femeninas. Esta visión de la mujer también constituye la columna vertebral de la obra de las fotógrafas alemanas Christiane Eisler y Silke Geister, que en los años noventa produjeron libremente una serie documental sobre el trabajo de las mujeres en las empresas de la antigua Alemania del Este. Otra mirada al Este la presenta el fotógrafo polaco Mariusz Forecki, que capta en sus fotografías el transcurrir de una sociedad marxista que evoluciona hacia el liberalismo.
La desaparición del mundo industrial provoca cambios en la sociedad que el fotógrafo busca representar en un proyecto complejo. Daniel Challe también en su serie ‘Keroman /Mécanique Générale’ se fija en el puerto de Lorient, tanto en el pasado como proyectándose en la industria del mañana a través de las empresas de construcción naval de alta tecnología. A menudo por encargo, a veces se invita a los fotógrafos a mirar libremente el corazón de la empresa. Así ocurrió en 1987, cuando, con motivo de su 30º aniversario, la fábrica de ColgatePalmolive en Compiègne abrió sus puertas a cuatro fotógrafos, Gilbert Fastenaekens, Thierry Girard, Richard Kalvar y John Vink, para que pudieran ver la empresa con sus propios ojos. Estas imágenes serían recogidas después en el libro La Fábrica. Con el mismo espíritu, este año la Bienal ha vuelto a dar carta blanca a dos jóvenes fotógrafos, Romain Cavallin y Florian da Silva, para que fotografíen a tres empresas de la cuenca de Creillois. Hexaprofils, Mauser y Toyo-Ink abrieron sus puertas y aceptaron que los artistas compartieran su visión personal con nosotros.
En cambio, es una mirada personal la del taiwanés Huang Sheng-Min que representa en forma de sombras chinas a los trabajadores en las obras de construcción de los grandes edificios de la ciudad de Tainan en Taiwán. El automóvil es también uno de los temas principales de esta edición con algunos de los fotógrafos mencionados anteriormente, pero también a través de una exposición de los Archivos Renault, que presenta una serie inédita de fotografías en color tomadas en 1960 en la línea de montaje Renault Florida de la empresa Brisonneau-Chausson. Finalmente, Matjaž Krivic está interesado en la búsqueda de litio para las baterías de los vehículos eléctricos, cuestionando a través de sus imágenes nuestra capacidad de agotar los recursos naturales para proporcionar energía. (Texto e imágenes cortesía de Usimages. Traducción de Alvaro Sánchez)
Jueves, 25 de abril de 2019
El 25 de abril comienza la segunda edición de Cáceres Abierto, que hasta el 16 de junio convertirá en centro artístico y expositivo la ciudad extremeña de Cáceres.
Exposiciones, presentaciones, talleres y debates, así como intervenciones artísticas, articulan un completo programa comisariado por Jorge Díez junto a Julio C. Vázquez y organizado por la Consejería de Cultura e Igualdad de la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento y la Diputación de Cáceres.
En total, cerca de una treintena de propuestas y actividades se podrán disfrutar en las instituciones culturales más representativas de la ciudad, como el Museo de Cáceres, el Archivo Histórico, la Sala de Arte El Brocense o la Biblioteca Pública, y en lugares como Baluarte de los Pozos o el Parque del Príncipe.
Sacar el arte de sus espacios convencionales, generar nuevos públicos y fomentar la implicación ciudadana son algunos de los objetivos de Cáceres Abierto y, especialmente, de las trece intervenciones artísticas que durante estos días transformarán el espacio común desde la práctica artística en lugar de reflexión y participación.
Como fruto de su trabajo e investigación previo para este proyecto, los artistas Tete Alejandre, Raúl Belinchón, Pepe Buitrago, Escif, Ana H. del Amo, Fermín Jiménez Landa, La Más Bella, Maider López, María Jesús Manzanares, Rosell Meseguer, Carme Nogueira, Gema Rupérez y Andrés Talavero plantearán un diálogo, desde muy diferentes propuestas plásticas y lenguajes, entre las prácticas artísticas contemporáneas, el patrimonio histórico y cultural de la ciudad y el entorno cotidiano de sus habitantes.
Se trata de generar una reflexión sobre cómo se construye y transforma el espacio público, pero también sobre su presente y futuro. Así, el fenómeno de la despoblación -y los mitos a él asociados- será central en algunas de las
intervenciones artísticas de Cáceres Abierto. También de varios de los debates que tendrán lugar en esta edición: el 25 de abril, el escritor y periodista Sergio del Molino y los artistas Fermín Jiménez Landa, Fernando Prats y Gema Rupérez, debatirán en la Biblioteca Pública sobre El arte contemporáneo y la España vacía. Y el 14 de junio, se celebrará en el Museo de Cáceres una jornada de debate sobre Procesos artísticos y buenas prácticas en el medio rural.
Si en la anterior edición, celebrada en 2017, diferentes propuestas audiovisuales completaban el programa, en esta ocasión también habrá espacio para otros lenguajes artísticos. La fotografía y el cómic serán protagonistas de diferentes iniciativas como la exposición ¿Pintas o Dibujas? Un paseo por el arte a través del cómic, que, producida por Acción Cultural Española (AC/E) y comisariada por Jorge Díez, estrena su itinerario por todo el país en el marco de Cáceres Abierto.
Complementariamente, en el debate Arte y Cómic, participarán el Premio Nacional del Cómic y Gran Premio del Salón de Barcelona, Max; Laura Pérez Vernetti, también premiada en el Salón del Cómic de Barcelona, y Fermín Solís, artista extremeño y autor de Buñuel en el laberinto de las tortugas.
Cáceres Abierto será también escenario el 15 de junio, en el Museo Vostell, de la presentación del documental ‘No escribo arte con mayúsculas’, sobre el Premio Velázquez Isidoro Varcárcel Medina, que participará también en la posterior mesa de debate, o del estreno nacional del proyecto Order, del colectivo Democracia, en el Centro de Artes Visuales Helga de Alvear.
Talleres como el realizado por Carme Nogueira con niños de Pinofranqueado o Ediciones Raras y Variopintas: ¡Edítalo tú mismo!, del colectivo La Más Bella, completan una cita que culminará con un concierto de Rocío Márquez que busca activar la reflexión alrededor del espacio común a través de propues-tas que superan la noción de consumo cultural, siempre desde una visión del arte como servicio público. (Texto e imágenes cortesía de Cáceres Abierto)
Miércoles, 24 de abril de 2019
Las polaroids presentadas proceden de la emblemática serie ‘Heroïnes’, realizada por Bettina Rheims en 2005. Estas imágenes muestran mujeres a las que la artista quería fotografiar desde hacía mucho tiempo: a algunas ya las conocía anteriormente, y otras que la habían atraído por su carisma o por su cualidad icónica. Estas pruebas únicas fueron redescubiertas por la artista justo antes de la exposición que estaba preparando para el museo del Quai Branly de París en 2018. Fue en esa ocasión cuando las presentó por primera vez.
Estas fotos, tomadas con una Polaroid de cierto formato, capturan precisamente el momento anterior a la toma de película filmada. En un formato similar al de una hoja de papel, se realizan justo antes de que Bettina valide el encuadre, la luz, la caída del vestido, el maquillaje y todos los detalles que darán fuerza a las tiradas de las que proceden los grandes formatos de la serie.
Es el caso, por ejemplo, de la fotografía de Milla Jovovovich, realizada en estudio en marzo de 2005, en París, presentada en artmonte-carlo. Varias polaroids capturaron la escena antes de que la artista decidiera cambiar la parte posterior de la cámara para insertar un negativo y obtener un gran formato. "Las Polaroids se usaron para hacer que algo pasara mientras no pasaba realmente. En entretiempos, en momentos que revelan una atmósfera particular y una intimidad singular entre la artista y sus modelos.”
En la decoración, inspirada en el taller de Alberto Giacometti, que había causado una gran impresión a la artista, destaca una roca, un objeto que se convierte en una especie de pedestal del que sus modelos se apropian para abandonarse sobre él. Esta serie es, pues, un homenaje a la escultura. Así, las mujeres semejan surgir de la piedra, formando parte del pedestal, como las mujeres de Rodin o los ídolos de las Cícladas.
Fue su amigo y famoso modisto Jean Colonna quien tuvo la idea de trabajar con fragmentos de vestidos de alta costura destinados a ser destruidos. Esta ropa única, que evoca una especie de lujo perdido, fue prestada por una famosa casa de alta costura. Estos vestidos se han formado como si formasen parte de las modelos: enrollados, pegados o atados, estos vestidos esconden o revelan la piel, mezclándose con su palidez y las líneas gráficas de las venas, cuyo preciso maquillaje revela sutilmente. "Quería una piel cuyas venas se pudieran ver, que no escondiera nada, sino que, por el contrario, lo mostrara todo.”
Bettina Rheims nació en 1952 en Neuilly sur Seine, Francia. Vive y trabaja en París. Fotógrafa, su trabajo se centra en el tema de género y se centra principalmente en la visión íntima del cuerpo de la mujer. La obra de Bettina Rheims se exhibe en numerosas instituciones, entre ellas el Museo del Elíseo en Lausana, Suiza, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, Francia, el Kunsthal en Rotterdam, Países Bajos, la Casa de Fotografía de Moscú en Moscú, Rusia (2006), el FORMA en Milán, Italia (2008), el C/O en Berlín y el Städel en Frankfurt am Main, Alemania.
Entre sus más recientes exposiciones personales destacan ‘Détenues’, en el Château de Vincennes y en el Château Cadillac de Burdeos (2018), ‘You Are Finished, Soft Figures’, exposición en el Museo Chirac del Quai Branly-Jacques (2018), ‘Naked War’, en la Galerie Xippas de París (2017), ‘Bettina Rheims’ en la Maison Européenne de la Photographie de París (2016) y ‘I'll Be Your Mirror’ en el Fotografiska Museet de Estocolmo en Suecia (2016).
La serie ‘‘Heroïnes’ de Bettina Rheims permanecerá en el stand E8 del Grimaldi Forum de Mónaco hasta el día 29 de abril de 2019. Lainauguración tendrá lugar el jueves 25 a las 18 horas (Texto e imágenes cortesía de Xippas Galleries. Traducción de AlvaroSánchez)
Lunes, 22 de abril de 2019
La intención tras mis collages digitales es que el espectador se sienta inmediatamente movido en una dirección, sin más explicaciones. Por lo tanto, utilizo el lenguaje visual y las técnicas actuales para combinarlo con las reglas fundamentales de la pintura y el dibujo, ya establecidas desde hace mucho tiempo.
Nuestra percepción subjetiva en estos días está moldeada por numerosas e instantáneas influencias. Los modernos medios de comunicación nos afectan inmensamente, pero también lo hacen las ideas casi olvidadas sobre las formas, los colores y las expresiones de los días pasados. Todo se construye sobre lo otro y está subconscientemente presente todo el tiempo. Y todo ello puede ser utilizado para remover al espectador y crear una experiencia personal inesperada.
Jorg Karg
La galería madrileña BAT alberto cornejo anuncia la incorporación a la misma del artista digital Jorg Karg.
Nativo y residente en Alemania, Jorg Karg (1982) ha vivido a lo largo de su vida una obsesión por las imágenes. Karg ha centrado su carrera en el actual collage digital que presenta a través de sus obras desde hace unos 12 años. Toma, reorganiza y abstrae el material fotográfico, utilizando un software de edición, dando como resultado imágenes llenas de surrealismo y delicadeza.
Aparte de sus propias imágenes, colabora con fotógrafos de todo el mundo. Antes de inmiscuirse en su carrera fotográfica, pintó y dibujó durante mucho tiempo hasta descubrir su verdadera pasión.
Dentro de su filosofía artística, Karg sueña con un reencuentro entre el espectador y su obra, que éste pueda reconocerse en las imágenes y se establezca un vínculo con ellas.
Además, en un primer momento el artista se define entre el blanco, el rojo y el negro, una de las combinaciones ganadoras dentro del mundo del arte, pero esta vez, reactualizadas a través de la técnica y la puesta en escena que el artista propone a cada imagen.
El artista goza ya de un reconocimiento internacional gracias a los múltiples premios como BLOOOM (2016), ser seleccionado para el premio Ashurst Emerging Artist Prize (2017) o Monochrome Awards (2018). Desde entonces, empezó a exponer sus trabajos en Reino Unido, Alemania, Países Bajos, Bélgica y Suecia. En 2018, el viajé continuó a lo largo de Europa llegando a Francia y a España. Sus trabajos han estado publicados en revistas y otros medios, así que también goza de un reconocimiento por los medios publicitarios. (Texto e imágenes cortesía de Jorg Karg y galería BAT alberto cornejo)
Jueves, 11 de abril de 2019
‘Cuarto tetris’ se plantea como una propuesta peculiar que busca, de manera reflexiva y consecuente, repensar varios de los trabajos anteriores realizados por FOD (Puerto Lumbreras, Murcia, 1973). Una de sus premisas de partida es interpretar la obra como un organismo capaz de adaptarse al ecosistema, de ser una especie de energía en expansión donde el artista entiende el espacio como un lugar de diálogo y proyección, un sitio donde generar una dialéctica abierta entre continente y contenido para que el visitante se sienta partícipe y no solo espectador. El reaprovechamiento y el reciclaje han sido habituales como argumento a lo largo de la trayectoria de este autor murciano, dos sendas que en este proyecto aplica sobre su trabajo para hacernos pensar sobre determinados modos de habitar y construir la ciudad contemporánea. En este caso, la revisión permite al artista emplear recursos ya existentes antes que desarrollar otros nuevos. Se trata de encontrar oportunidades, de asumir las obras del pasado como piezas activas más que como objetos cerrados y por tanto caducos. A fin de cuentas, es aceptar la producción propia como resultado de la causalidad y el análisis.
La exposición que presenta FOD en Alcobendas se articula en torno a una gran estructura de metal que ocupa el espacio principal de la sala. Este particular armazón reutiliza el esqueleto de la instalación que abría la muestra Tentativas para agotar un espacio inaugurada en Tabacalera a finales de 2017. Si inicialmente funcionaba como una cúpula invertida suspendida del techo, aquí se ha convertido en una singular cabaña asentada sobre el suelo. La alteración de la forma nos lleva a la transformación de su significado y también de su percepción. La ingravidez de antes se ha mudado en rotundidad: lo que parecía vacío, ahora se ve lleno. Las líneas que definen este nuevo entramado de hierro marcan un ritmo dinámico que potencian su valor como escultura. Aun siendo similar por escala a un habitáculo, transmite algo paradójico que lo hace inhabitable y lo aleja del estereotipo.
En relación con este planteamiento site-specific, podemos enlazar cuatro fotografías intervenidas (L.IVE, 2013) que se mostraron hace unos años en la revista Flúor que editaba Rosa Olivares. Inspiradas en edificaciones precarias y eventuales, estos pequeños recintos cerrados se nos aparecen como ruinas de una metrópoli cualquiera que ha perdido sus rasgos distintivos y no sabe cómo ubicar esos levantamientos indefinidos de la periferia. Sobre ellos, el artista interviene con un dibujo esquemático o croquis que asciende de modo figurado hacia arriba, acentuando de esta manera FOD uno de los rasgos más reconocibles de las edificaciones urbanas del último siglo: su disposición para crecer de forma rápida y en vertical.
Es interesante resaltar en el trabajo de FOD su capacidad para saltar de las dos dimensiones o lo tridimensional, una preocupación por trascender los límites espaciales de un cuadro que le ha llevado de la pintura a la escultura y lo instalativo. En este sentido, el cambio se produce con el proyecto Tetris en 2011 y las tres piezas que podemos contemplar ahora en Alcobendas, un giro que a la postre ha resultado fundamental en su carrera y le ha permitido afrontar retos de mayor alcance. Elaboradas con materiales de construcción reutilizados y elementos como hierros soldados, puntales, maderas, paneles de cocina o chapas onduladas, la apariencia de esta serie es aséptica, casi neutra. Con ellas, FOD logra conjugar en equilibrio formas, colores y volúmenes para que el resultado sea estéticamente atractivo, muy cuidado. A nivel conceptual, nos hablan de una habitabilidad precaria que encontramos en los suburbios y el extrarradio, un envés inevitable de las grandes capitales del mundo y las sociedades de hoy que estamos acostumbrados a eludir porque asociamos a la pobreza y la falta de recursos. Para completar este grupo, ha concebido un último ensamblaje realizado con retales que ha tomado a partir de fragmentos diversos encontrados en el estudio, una pieza que debe entenderse como la evolución natural de los montajes originales que la acompañan.
‘Cuarto tetris’ no trata de partir de cero como ocurre habitualmente. De alguna manera, procura mirar los pasos dados para, en un ejercicio de bricolaje intelectual, subrayar algunos de los rasgos que definen la obra de FOD. No tanto desde la forma, su carácter es tan reconocible como contundente, sino más bien indagando en aquellas nociones sustanciales que articulan su lenguaje desde las ideas. Por ello, siendo consecuente con su modo habitual de reaprovechar los elementos disponibles, el título también es reciclado, una mezcla de los nombres de sus dos primeras exposiciones individuales en la galería T20 de Murcia, una denominada Cuarto primera (2005) y otra, Tetris (2011). El guiño, intencionado, cierra un círculo con sus inicios y vuelve al principio para reafirmar unos valores constantes: coherencia, búsqueda y capacidad de síntesis, sobre todo. Y lo más difícil después de tantos años, manteniendo siempre un estilo identificable. (Sema D’Acosta)
La exposición ‘Cuarto tetris’ se inaugura hoy jueves a las 19:30 horas en el Centro de Arte Alcobendas, donde permanecerá hasta el 11 de mayo de 2019. (Texto e imágenes cortesía del artista y Centro de Arte Alcobendas)
Miércoles, 10 de abril de 2019
Nada hacía esperar que en otoño de 2018, cuando empezamos a trabajar en este proyecto, tuviéramos que inaugurarlo sin él. Abelenda estaba realmente entusiasmado con la exposición y participaba muy activamente en ella, fueron unos encuentros de lo más enriquecedores. El próximo jueves os esperamos, con una mezcla agridulce de emociones, para un homenaje desgraciadamente póstumo al maestro Alfonso Abelenda.
Monty4
Alfonso Abelenda siempre mezcló arte, ironía y vida. De esa pluralidad surge este personaje nada fácil de describir: estudiante de arquitectura en Madrid, campeón de España de los 110 metros vallas, jugador de rugby, estudiante de ciencias exactas, actor en películas de romanos, westerns y comedias, tertuliano en el Café Gijón, legionario en Marruecos, pregonero, nómada por tierras del Riff, Madrid, Santiago, Montevideo, Caracas, París, Londres, Nueva York, Los Ángeles, Nueva Orleans, Berlín..., caballero de la Orden de María Pita, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Galicia, humorista y, sobre todo, pintor.
«Yo, Abelenda» pretende establecer un recorrido por los diferentes géneros y movimientos plásticos que ha ido atravesando la obra de Abelenda durante más de 70 años de trayectoria, con una antología de 117 obras seleccionada de la inmensa producción del artista. La muestra se estructura en 9 secciones: Ilustración y humor, El Prado, Retrato, Bodegón, El taller, La creación, Eros, Tauromaquia y Paisaje. El objetivo es llegar a entender las posiciones estéticas y éticas de un hombre que vivió por y para el arte.
La diversidad y calidad del arte multidisciplinar y multiestilístico de Abelenda,
sumado a su intensa vida social, cultural y deportiva, nos genera una fascinación por el personaje total. Es esta mezcla de fascinación y admiración por el artista lo que transmite esta exposición.
Una selección de 100 obras muestra la trayectoria artística y vital de Abelenda. Es por ello que la exposición se plantea articulada no solamente en las dos salas, sino que sale a los pasillos, procurando crear un recorrido expositivo coherente con las interrelaciones entre la obra y el espacio. Las obras relacionadas con ilustración y humor son las que nos reciben en el hall, son ilustraciones originales que el artista hizo en los años 60, 70 y 80 para las publicaciones La Codorniz, Don Juan y Cambio 16. También aquí se encuentran viñetas, dibujos y revistas. En el pasillo, fotocopias de ilustraciones, dibujos y viñetas, colocadas de forma aleatoria, en clara alusión a la recurrente obsesión del artista por las fotocopias en su proceso creativo. En la primera sala se sitúan las secciones Retrato, El Prado, y Bodegón. En la segunda sala se sitúan las secciones El Taller, aproximación más personal al «estudio del artista» con su caballete, sus herramientas y elementos personales, referentes a su etapa como deportista, fotos, bocetos, papeles ; La Creación, lienzos en los que Abelenda reflexiona acerca del proceso creativo en forma de homenajes a Lugrís, Cunqueiro, o Paco de Lucía, así como obras dedicadas a la poesía, a la alquimia o a la fragua; Eros, serie de piezas representativas de su etapa de pintura matérica; Tauromaquia y Paisaje, obras mayores en las que se suceden las recurrentes marinas, dársenas, en alusión a su frecuente vista de la ciudad herculina, que forma parte de la memoria infantil y de la identidad de su creador.
El jueves 11 de abril, a las 20.00, se inaugura la exposición ‘Yo, Abelenda’, comisariada por Monty4, en la Sede Afundación A Coruña, situada en la Rúa Cantón Grande, 8 de la ciudad atlántica. (Texto e imágenes cortesía de Afundación y Monty4)
Jueves, 4 de abril de 2019
Paper València 2019 es el primer certamen de sus características en la ciudad de Valencia y tendrá lugar entre los días 4 y 7 de abril en el espacio de RuzafaStudio, bajo la producción de la editorial Elca en colaboración con Banda Legendaria, y con el patrocinio de la fundación El secreto de la filantropía y la colaboración de la Biblioteca Valenciana y otras entidades y empresas.
Concebido como Salón del Arte y la Poesía, su singularidad reside en el uso del "papel" como soporte de las obras de arte, las ediciones artísticas y las de poesía que se exhiben.
El certamen está articulado en cuatro secciones (Galerías, Editoriales, Proyectos y Actividades Paralelas), durante los cuatro días en que se desarrollará el encuentro cultural, profesionales del mundo del arte (artistas, galeristas, críticos, coleccionistas...), editores junto a escritores y todo el público interesado tendrán una sugestiva cita artístico literaria en Paper València 2019.
Para esta primera edición, la dirección técnica del certamen ha seleccionado a seis galerías de arte: Ana Serratosa (Valencia), Pepita Lumier (Valencia), Rafael Ortiz (Sevilla y Madrid)), Set Espai d'Art (Valencia), Siboney (Santander) y Travesía Cuatro (Madrid, México DF y Guadalajara), que expondrán obras delos artistas que representan, realizadas –con distintas técnicas– sobre papel.
Participan también como invitadas las editoriales Alba (Barcelona), Edicions del Buc (Valencia), Los sentidos (Sevilla), Pre-textos (Valencia), Ultramarinos (Barcelona) y Vaso roto (Madrid).
Se presentan, así mismo, tres "proyectos" sobre arte y poesía, a cargo de las editoriales valencianas Banda Legendaria y Fire Drill, y del "Artista invitado" en esta edición, Miquel Navarro.
Un atractivo programa de actividades paralelas –complementarias– al Salón tendrá lugar en la terraza ajardinada colindante a las salas de exposición de RuzafaStudio. Se celebrarán recitales de poesía, presentaciones de libros y de editoriales, debates y otras dinámicas relacionadas con los ámbitos del arte y de la poesía.
Paper València 2019 es una idea de Juan Lagardera y Víctor Segrelles.
El programa de actividades paralelas a la feria tendrá lugar en la terraza ajardinada junto a la muestra en RuzafaStudio. Se realizarán recitales de poesía, presentaciones literarias, debates y otras actividades relacionadas con el arte y la poesía. (Texto e imágenes cortesía de las galerías Pepita Lumier y Rafael Ortiz)
Martes, 2 de abril de 2019
A través de la manipulación técnica de materiales, busco sus particularidades, por ejemplo, el reflejo que produce el carbón mineral después de ser pulido. Ese tipo de encuentros formales me permiten relacionarlos con otros usos y significados, impensados al momento de acercarme al material. Siguiendo el ejemplo, el pulido del carbón me permitió llegar a los espejos precolombinos de la cultura Chavín, que también eran hechos con esa piedra. Eso a su vez me va conectando de manera más amplia, con el sistema de producción de los objetos y del imaginario que van construyendo.
Alejandra Prieto
Los Alquimistas
El extractivismo es la manera en la que yo creo, el Antropoceno se hace presente en América Latina de una manera muy fuerte. Si el Antropoceno es un grupo humano transformado en fuerza geológica, ¿qué más que el extractivismo para observar esa fuerza geológica? [Un fenómeno] que es capaz de remover montañas, desviar ríos..., cambiar la Amazonía...
Marisol de la Cadera
Todo lo que nos rodea está compuesto de elementos químicos. Desde los minerales hasta la composición de nuestro cuerpo se pueden clasificar dentro de la tabla periódica. Dichos elementos tienen sus "dueños", ya que son extraídos o producidos por compañías internacionales. En 28 serigrafías vemos algunos símbolos de la tabla periódica junto a los logos de las compa-
ñías que los extraen. La traducción de la materia y las empresas en símbolos, los transforman en signos abstractos que alejan la cadena productiva de nosotros. El pantón de las serigrafías esta sacado de una pequeña foto satelital que muestra las piscinas de litio de la empresa SQM, en el salar de Atacama en Chile.
Baterías de litio de celulares desarmadas, un espejo de pirita (escoria del cobre), un video con imágenes del salar de Uyuni, donde se extrae el litio, con textos de un poema que alude al trastorno bipolar, conforman un conjunto de objetos e imágenes que dialogan con elementos químicos como el cobre, el litio, el azufre, el hierro, el aluminio, entre otros. A través de las diferentes formas de materializar los elementos se producen relaciones a diferentes niveles, para así pensar como ellos afectan nuestro mundo material e incluso nuestra manera de percibir y actuar en él.
La obra de Alejandra Prieto se encuentra en colecciones públicas y privadas como Saatchi Gallery, Londres, Perez Museum, Miami, Juan Yarur, Santiago. Otras colecciones particulares en Nueva York, San Francisco, Texas, Ciudad de México, Londres, Lima, Bogotá, Santiago, entre otros países.
Este proyecto ha sido financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, ámbito nacional de financiamiento, Convocatoria 2019, FONDART.
Die Ecke Arte Contemporáneo anuncia su primera participación, junto a la artista chilena Alejandra Prieto (Santiago, Chile, 1980) en la en el stand SL8 de la Sección SOLO de la 15ª edición de SP-Arte, la cual se llevará a cabo en el Pabellón Ciccillo Matarazzo entre el 3 y el 7 de abril de 2019 en Sao Paulo, Brasil. (Texto e imágenescortesía de galería Die Ecke)
arte contemporáneo
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